La última escena: Casi como el original

Hoy os dejamos con una curiosa escena de la película infantil “Elf”(2003), por cierto, emitida ayer a mediodía a eso de las 16:00h. en Telecinco. Para los que no hayan visto la película ni la escena, diremos que en la susodicha, el presidente de la editorial “Greenway Press” encarnado por el diminuto actor Peter Dinklage, es igual, y decimos igual, (aunque el doblaje al castellano también ha ayudado bastante) que un ex presidente español que pagó caro “el 11M”, y la guerra de Irak… ¿ Quién ?. Si, Aznar. Pensamos que el añadido de la perilla fue un elemento despiste. Bravo por Dinklage que lo clava el tío.

El director del mes: Stanley Kubrick

Bueno amigos, qué os podemos decir del maestro Stanley Kubrick. Este escrupuloso y perfeccionista director ha sido literalmente el responsable de gran cantidad de obras maestras del celuloide. Nació en el barrio del Brox Neoyorkino un 26 de julio de 1928. Se interesó por la fotografía desde muy joven. Llegó a trabajar para la revista Look, donde hizo brillantes reportajes fotográficos a las más importantes estrellas del momento. Fue gran aficionado al ajedrez y la música, en especial al jazz. Su melomanía le permitió durante toda su carrera, el poder discutir todos los aspectos relacionados con la banda sonora de sus películas, y el metódico ajedrez quizás sembró en él el perfeccionismo y la frialdad en la dirección.
Su primer largometraje “Fear and Desire” (1953), va de un pelotón de soldados que lucha en medio de la nada y en una tierra sin nombre. Según él mismo afirmó, supuso para él un "error de juventud" del que sabemos quedan escasas copias del film debido a su empeño de destruir todo rastro de material.
En “Atraco perfecto” (1956), la utilización del tiempo cinematográfico que hace Kubrick, sería imitada posteriormente por directores como Tarantino en “Reservoir Dogs”, pues supuso una innovación para la época. Kubrick contrató a Garret Brown el inventor del “steadycam” para que lo manejara en su película. En "Barry Lyndon", rodó los interiores exclusivamente con la luz de las velas, gracias a unos objetivos especiales Carl Zeiss (abertura máxima de f/0,7) que había comprado a la NASA.Su obra, se ha visto salpicada por la polémica en diversas ocasiones. "Senderos de gloria" (1957), estuvo prohibida durante décadas en Francia, debido a su mensaje antibelicista y a cuyo ejército pertenecían los protagonistas. Con "Lolita" (1962) provocó que todos los párrocos de las iglesias estadounidenses exhortaran no ver la película, lo que por supuesto únicamente consiguió que tuviera un éxito sin precedentes. "La naranja mecánica" (1971), película de culto, son la violación y la ultraviolencia, las que provocaron una serie de actos vandálicos que intentaban imitar a la película. Kubrick tuvo que presionar a la distribuidora para que la retirase de los cines británicos. Muchos españoles tuvieron que ir hasta Francia para verla, ya que en la España de la época, por supuesto, estaba censurada.
Títulos como: "Espartaco" (1960), "2001: Una odisea del espacio" (1968), "El resplandor" (1980), o "La chaqueta metálica" (1987), lo encumbraron en el Olimpo de los Dioses del séptimo arte. El humanismo, contrariamente a otras opiniones, fue siempre el complejo motor que movió su cine.
Días más tarde de acabar de montar la película "Eyes Wide Shut" (1999), basada en la novela "Relato soñado" de Arthur Schnitzler. Stanley Kubrick moría en su mansión de Londres de un fulminante ataque al corazón. Su muerte ocupó de forma extraordinaria numerosísimas portadas a nivel mundial, el hecho no fue para menos...

Adiós a Fernando Fernán-Gómez

El cineasta y escritor Fernando Fernán-Gómez ha muerto hoy a los 86 años de edad, cuando se encontraba ingresado en el hospital madrileño de la Paz desde hacía unos días.
Excelente actor, reputado cineasta, académico de la Lengua, autor teatral y literario, Fernando Fernán-Gómez, nunca se dejó ceñir por el ejercicio de una disciplina única, lo que le convirtió en una figura clave de la cultura española contemporánea. La trayectoria de Fernando Fernán-Gómez, una de las más brillantes del Séptimo Arte, fue reconocida en todos los ámbitos, desde la concesión del Príncipe de Asturias de las Artes, los Premios Nacionales de Cine y Teatro, la Medalla de Oro de la Academia de Cine o la máxima cantidad de Goyas acumulada por ninguna otra figura del cine español.
Hasta siempre...

¡Mucho mejor que el P2P!

La vaquilla y La noche de los muertos vivientes son dos de los interesantes títulos que pude encontrar el otro día en los recuelos del chino de al lado de mi casa, bueno además de un montón de míticos títulos del maestro marcial Bruce Lee, ¡ah! y tan sólo con una simple ojeada, aunque os puedo asegurar que si hubiera explorado a fondo aquel enorme cajón de la tienda de fantasías y lucecitas a 1 €, hubiera descubierto a buen seguro alguna "joyita" más. Lo dejaré pendientes para la próxima visita, porque habrán más.
Dos miserables rupias (€) cada una, tuvieron la culpa. La felicidad inudó mi cerebro cuando pude hacerme de entre tanta morralla, con esta divertida película de Berlanga y éste gran clásico de terror de George A. Romero, que dicho sea de paso, tuve el placer de regalar a un buen amigo y gran aficionado al cine gore. Y es que el intercambio de archivos P2P, y otros factores que ahora no mencionaré porque darían tema para varios artículos, han propiciado que los amantes al cine encontremos auténticas gangas del séptimo arte en sitios tan variopintos como ésta tienda, en los cada vez más video club´s en período de liquidación por cierre, o adosadas al periódico de los domingos...
Lo cierto es que de una forma u otra, disponemos de más opciones para encontrar esos títulos originales que merece tanto la pena tener.
Podría ponerme nostálgico recordando la tremenda emoción que nos hacía la compra de la película que mucho nos gustó en el depreciado formato VHS (con su hermosa carátula a todo color), o la adquisición del último LP de Queen, U2, Kraftwerk o Depeche mode... Vinilos,cassettes,VHS´s o Beta´s, frente al Divx, Xvid,Screeners,Ripeos o MP3. Nuestras ilusiones en forma de arte plasmadas en formatos degradables y analógicos, que en su día significaron mucho y que hoy en el mejor de los casos, acumulan polvo y ácaros apilados en domésticas estanterías. Y que decir del día en que nos llegaba a nuetro buzón el aviso de recibo del paquete del Discoplay; íbamos echando ostias a la oficina de correos a por nuestro pedido mensual para deleitarnos con la selección de turno, normalmente de entre las ofertas más baratas de la revisadísima revista-catálogo.
Os puedo asegurar que casi experimenté aquellas emociones de antaño, al descubrir incrédulo estos chollos en la vecina tienda del tipo de ojos rasgados y nombre impronunciable. Así que ya sabéis muchachos, rebuscad perlas en el cajón de los recuelos que "haberlas haylas" y mucha suerte... ¡Perlas a 2 euros, que bien!

Esencialmente Buenas: Brazil

Hoy desempolvamos esta genial y delirante película de Terry Gilliam. Único miembro norteamericano de los británicos Monty Python y talentoso dibujante, se desvinculó de su obra anterior con esta película, en aras de una enérgica apuesta por el derroche imaginario y el expresionismo conceptual. Brazil (1985) es su obra más personal y ambiciosa. Se comenta, que tras el estreno, incluso hubo quien le recomendó que cambiara de "camello".
El film retrata una sociedad, desilusionada, casi esclavizada y encharcada en un oscuro y pesado sistema donde apenas queda tiempo para el desahogo pero con una mezcla de humor cruel y colindante sarcasmo. Una gigantesca maquinaria burocrática que mueve una anti-utopía opresiva y deshumanizada, hundida por la ineficiencia y amenazada por el terrorismo. Esta película trata diversos y complejos temas que son aderezados con una mezcla de humor cruel y colindante sarcasmo, retratando una sociedad desilusionada, casi esclavizada y encharcada en un oscuro y pesado sistema donde apenas queda tiempo para el desahogo. Una gigantesca maquinaria burocrática que mueve una anti-utopía opresiva y deshumanizada; hundida por la ineficiencia y amenazada por el terrorismo.
Pobre de aquel que se le ocurra contratar a un técnico calefactor, sin cumplimentar el impreso 27B/6.
La historia, situada en algún lugar en el siglo XX, se desarrolla en una atmósfera salpicada de elementos referentes a distintas épocas de dicho siglo, contribuyendo con ello a crear un ambiente irreal. Por ejemplo, los ordenadores están construidos a partir de una máquina de escribir, un pequeño tubo de rayos catódicos y una lente fresnel.
Un error en un apellido debido a una mosca caída en la cabeza de un teletipo provoca la detención de un pobre inocente, nadie quiere hacerse cargo del angustioso papeleo excepto el bienintencionado Lowry (Jonathan Pryce). Tanto su implicación en ese error burocrático, como su obsesión por la mujer de su vida y los contactos con un técnico calefactor clandestino (Robert De Niro), complican la vida a Lowry hasta tal punto, que pasa a ser considerado una amenaza para el sistema.
Como curiosidad, cabe destacar el evidente homenaje a "El Acorazado Potemkin", en la escena del tiroteo que se produce en el vestíbulo del Ministerio de Obtención de Información.
Obtuvo dos nominaciones a los Oscar, a la mejor dirección artística y al mejor guión original y fue elegida la película del año 1985, por la Asociación de Críticos de Los Ángeles (LAFCA) entre otros reconocimientos, a pesar de que contó con una reducida distribución y serios problemas en la postproducción que originaron el primero de los múltiples desacuerdos que el director tuvo con sus productores, y que los llevó a un conflicto resuelto por vía judicial.
Bazil es, en definitiva, uno de esos filmes que mejor encajan en el Cine de Culto.

Parecidos Razonables

El actor mexicano galán y amante latino Ricardo Montalbán vs. el fantánstico y mordaz actor de teatro Pepe Rubianes.

Actores de otro mundo: Willem Dafoe

Willem Dafoe nació en Appleton, Wisconsin, el 22 de julio de 1955. Estudió Artes Dramáticas en la Universidad de Wisconsin-Milwaukee aunque abandonó antes de graduarse para enrolarse en diversas compañías teatrales y viajar por los Estados Unidos y Europa. Este actor, de peculiar "careto", se ha curtido en el cine y el teatro, siendo nominado en dos ocasiones al Oscar como mejor actor de reparto. Según el crítico Tomás Obregón, "Willem Dafoe pasará a la historia por su cara perversa y su sonrisa de demonio y por haber protagonizado la película más controvertida de la historia".Ha trabajado con directores de la talla de: M. Scorsese, O. Stone, J. Waters, D. Lynch, W. Wenders, R. Rodríguez, Lars von Trier o Spike Lee ...
Es uno de esos actores, que tras una trayectoria como la descrita, ha podido demostrar sobradamente que da la talla allá donde lo pongan. Su fama proviene de su intachable interpretación encarnando personajes como el de Caravaggio en El paciente inglés, el "enrollao" Sargento Elías en Platoon, o como protagonista en La última tentación de Cristo.
En una entrevista concedida a Ana Ruiz, el 4 de febrero de 2006 respondió en relación con su trabajo con Lars von Trier: "La interpretación no es algo fijo, siempre es diferente. Cuando me incorporo a un proyecto, gran parte del interés reside en descubrir qué esperan de mí y qué debo hacer para el bien del proyecto".
Que duda cabe, por lo tanto, que estando entre la nómina de actores de cualquier película. Esta será garantía de trabajo, por su parte, muy bien hecho.

Presentación de POSIDONIA y mesa de debate en la Muestra Internacional de Cine y Derechos Humanos 2007

El pasado 25 de Octubre se efectuó la proyección de nuestro cortometraje POSIDONIA en la Muestra Internacional de Cine y Derechos Humanos 2007, que en Alicante se realizó en la SEU (Sede Universitaria). Tras las proyecciones de los cortos “Plan B” y “POSIDONIA” se efectuó un interesante debate en torno a los inmigrantes. Como ponentes en la mesa estaban Nadime Narváez, productora del corto “Plan B”, David Kelva protagonista de POSIDONIA y Eduardo Sierra, co-director del mismo. En la mesa de debate la atención de la noche la acaparó indiscutiblemente David Kelva, que nos contó a todos los presentes su experiencia personal, su valoración y su punto de vista del tema.De derecha a izquierda. Eduardo Sierra, Carlos Martínez, Virginia García y Eva María García. Detrás de Carlos Martínez está Manuel Capella.

Antes de comenzar la proyección. Eduardo Sierra y David Kelva.De derecha a izquierda. Eduardo Sierra, David Kelva y Nadime Narváez.

De lo más... psicotrónico: "¡Cole cole que te como!"

Bueno amigos, si hace unos días comentábamos una disparatada película provinente de Hong Kong, hoy tenemos en el desfiladero otra del mismo sitio. Todos recordamos los éxitos relativos que han cosechado ciertas películas de caníbales del los 80, casi todos experimentos italianos ultra gore como "Holocausto caníbal", "Comidos vivos" o "Caníbal feroz". En Hong Kong también se hicieron películas de masticahomínidos, deseosos de subirse al carro de la "canibalmanía" que se estilaba por aquel entonces. "We are going to eat you" 1980 de Tsui Hark o "¡Cole cole que te como!" que es el título que le puso Filmax cuando la estrenó en España, es la cinta que hoy repasamos. Filmax decidió añadir también el subtítulo "Corre corre que te como" para aclarar a los más "cortos" el chiste sobre la pronunciación china al que aludía el título principal. Película de culto a su manera, comienza haciendo un repaso caricaturesco de los tipos más feos jamás vistos en cine. Un elenco de jetas imposibles desfilan una tras otra ante nuestros perplejos ojos. Dientes podridos, ojos saltones como pelotas de pin pon y cuerpos tan deformes que Pozi parecería mister España al lado de estos sujetos. Los personajes son todo gente de mal vivir, traidores, huraños y egoístas carecientes de cualquier grado de empatía para con sus semejantes. Aquí no hay héroes que valgan, bueno realmente hace las veces, un criminal reformado con tan mala fama que nadie le cree cuando intenta comportarse bien. Los habitantes de una villa en una isla, son un montón de caníbales cuyo lema es: “Si no te comes a la gente, ellos te comerán a ti”. Están capitaneados por un jefe cruel, cuya mano derecha es el célebre ladrón Rolex (no Casio). El agente 999 del servicio secreto de Hong Kong, desembarca en la isla con la misión de coger a Rolex. Durante la mayor parte del metraje el agente 999 y su compañero, una especie de indigente con gafas de sol, intentarán zafarse de aquella abyecta sociedad de tosco gusto gastronómico. La película está inspirada descaradamente en “La matanza de Texas”, y cuenta con un estupendo elenco de tarados mentales enmascarados blandiendo cuchillos, bueno eso sí, tiene suficientes planos sangrientos que satisfarán al goreaficionado sin prejuicios.

¡Os destrozaré con mi coche putas!

Dead proof es una película típicamente "Tarantinesca". En este caso, puede significar un hándicap más que una virtud. Lo decimos porque el guión tiene más de una laguna y alguna que otra incongruencia algo difícil de digerir. Bueno está bien, perdonable solo si tenemos en cuenta su corte y estilo como de cómic, característico en casi todas las películas de su autor. Aquí parece no importar demasiado el cómo, si no el por qué. La peli recuerda intencionadamente a los films que se hacían a finales de los 70, con esos colores rojizos, los garitos, las ropas y esos coches de rally tuneados a rayas que salían en la serie de “Starsky y Hutch” . Se nota de lejos que la cinta tiene la personalidad propia del tío Quentin, mostrándonos sin tapujos sus gustos y preferencias en cuestiones de estética, nada de extrañar pues también se ha encargado de la dirección de la fotografía.
“Un ex especialista de cine, quiere acabar con cualquier grupo de tías que se le ponga por delante, haciendo uso de su coche preparado”. Esto es en pocas palabras su sinopsis.
La cinta cuenta con unas actuaciones más que buenas, a destacar la de su protagonista Kurt Russell,que está francamente bien y convincente, con los diálogos típicos de su autor, y una acción trepidante con buenas persecuciones de coches. El film es divertido pero con algunos momentos escalofriantes y habría que conceptuarlo en su conjunto que es como de verdad gana. Por último destacamos la sobrecogedora y real escena, del brutal impacto frontal de dos coches (no daremos más detalles).

De aquí: Entre tinieblas

Probablemente si nos hablaran de "Tacones lejanos" o "Mujeres al borde de un ataque de nervios", nos acordaríamos de inmediato de Pedro Almodóvar. Pero si nos nombran este título, es posible que salvo que fuéramos fieles seguidores de su obra, no la asociaríamos a este director. Y es que “Entre tinieblas” es una de sus películas más “malditas”. Durante su amplia trayectoria y clara evolución, Almodovar no ha dejado indiferente a nadie. Ha creado su propio estilo y universo, obteniendo el máximo reconocimiento en los festivales de mayor prestigio del mundo.
Esta irreverente comedia negra, que cuenta con una nómina de actrices como Carmen Maura, Marisa Paredes y Cecilia Roth, entre otras pioneras "chicas Almodóvar", se aproxima al exceso desde la provocación, mostrándonos una serie de personajes anómalos y verdaderamente surrealistas, que lejos de resultar grotescos o escandalosos, se nos hacen divertidos. La clave es caricaturizar los demonios presentes en ésta sociedad de forma exagerada, para alejarse del drama, y acercarse a la comedia.
La trama se sitúa en un convento de la orden de las ”Redentoras Humilladas” cuya obra se basa en intentar salvar del pecado y la tentación a chicas de vida descarriada. En él, las monjas son lesbianas, sadomasoquistas, traficantes y drogadictas, e idolatran a las mujeres más pecadoras de la historia.
Sirva como muestra algunas de ellas: Sor Estiércol, aficionada al LSD, Sor Perdida obsesionada con la limpieza y dueña de un tigre que cría en el jardín trasero, Sor Rata de Callejón una escritora de novelas de genero menor muy famosa sin que ella lo sepa y una Madre Superiora a la que “le van” las jovencitas.
Como habéis podido leer, se trata de película bizarra y peculiar, que por sus extravagantes características recomendaríamos a los amigos más desinhibidos, divertidos y underground´s.

Actores de otro mundo: Dick Van Patten

Actor conocido en España y en el mundo entero por su papel de ejemplar y fértil padre Tom Bradford, en la conocidísima serie televisiva del 77 “Con ocho basta” ,papel que por otro lado consiguió porque era amigo del presidente de la ABC por aquel entonces. Gracias a esto, figuró en la posición 33 del ranking de “Los 50 mejores papás de la televisión de todos los tiempos” (que chorrada), en la guía televisiva del 20 de junio de 2004. Este actor de aspecto bonachón y cara de tortuga centenaria, nació un 9 de diciembre de 1928 en Nueva York (USA). Como hemos dicho, ha forjado su carrera en series juveniles familiares o sitcoms para la televisión, aunque también ha trabajado de segundón en las típicas comedias americanas, de aventuras, o si queréis, películas para todos los públicos. A bote pronto nos acordamos de su lineal aportación interpretativa en “La loca historia de las galaxias” 1987. Dick Van Patten, debutó en la serie “Mama” en el año 1949. Es padre de tres hijos y fue nombrado en el 2001 alcalde honorífico de Sherman Oaks, (California). Sigue trabajando en la actualidad a pesar de que en el 2006 sufrió una crisis diabética de la que se recuperó en poco tiempo.

Groucho Marx demasiado para Bill Cosby

Os traemos la última gran aparición en el año 1973 de Groucho Marx en los medios televisivos. El programa era un show presentado por también actor cómico Bill Cosby. Podréis apreciar que en la vida real Groucho Marx era igual de ingenioso e irónico que en sus películas. Qué maravilla.

Lo que significaba ir al cine

Han pasado algunos años desde los multitudinarios estrenos de "La guerra de las galaxias", "E.T.", "Tiburón" o "En busca del arca perdida" por ejemplo. De mediados de los 70 hasta finales de los 80 (mi época dorada), ir al cine significaba almenos para mí, todo un acontecimiento. El cine era el de siempre, el de toda la vida. Cines en Alicante como "Casablanca", "Avenida", "Calderón", "Monumental"... estuvieron con nosotros muchos años, y hoy sólo permanecen vivos en el recuerdo de cuatro nostálgicos, entre los que me encuentro. Para los taquillazos de estreno, había que hacer dos colas, una para comprar la entrada y otra para entrar. En estos casos, casi siempre la cola daba la vuelta a la manzana donde se encontraba el cine, y por alguna extraña razón, teníamos los santos "bemoles" de aguantarla con alegría y entusiasmo. La costumbre era ir los domingos por la tarde, y una vez que te adentrabas en la oscuridad de la sala, un atento acomodador (¿qué demonios ha pasado con ellos?) linterna en mano, te ofrecía la mejor oferta disponible en butacas. Aquí no había numeración que valiese, tú te sentabas dónde te diese la gana siempre que estuviera libre. A mí, me gusta estar ya sentado sin que haya empezado ni el "Movierecord" vamos, pero con las inmensas colas que se formaban, eso era difícil, aunque se pusieran a cortar entradas una hora antes de la proyección. En estos casos se usaba un truco infalible que consistía en escudriñar la cola empezando por la cabeza, a la caza de la cara conocida, para que con la excusa, nos adelantara hasta su posición. Siempre funcionaba, bueno si encontrábamos al conocido, claro. Luego, cuando terminaba la peli, podías quedarte a una segunda sesión, o incluso a una tercera si eras un friki del film. Algunos cines ponían programa doble por el mismo precio; podías ver "Alien, el octavo pasajero" y "Kárate a muerte en Bangkok " sin moverte de la butaca. Joder eso sí que era "echar la tarde". Habían muchos más reestrenos que hoy, y estaba en vigor el restrictivo "exclusivamente mayores de 18 años" para las películas violentas o de terror, y el clasificada "s" para las eróticas o las gore. Macho que tiempos...
Puede que sea nostalgia, pero recuerdo que antes, ir al cine, tenía un punto cuasi mágico, social, y si queréis trascendente, sobre todo en los grandes estrenos. Las películas se vivían dentro del cine, con otro sabor y de otra manera. Con "Tiburón", la gente cogió miedo al mar. Con las películas de Bruce Lee, los niños y los que no lo eran tanto, salían de las salas gritando y dando patadas al aire. Eso hoy no pasa. Desde luego la vida ha cambiado mucho, y tristemente con ella también las sensibilidades...

La última escena: ¡Señor, Sí señor!

Tras tomarnos unos merecidos días de vacaciones, regresamos de nuevo este mes de septiembre para mostraros muchas más cosas sobre el cine, siempre desde nuestra óptica por supuesto. Hoy, queremos hacerlo recordando una escena un tanto fuerte, más que nada por la cantidad de palabrotas e insultos que se dicen en una secuencia de algo más de cinco minutos. Se trata de la mítica película “La chaqueta metálica” 1987, del maestro Stanley Kubrick. Nunca un sargento marine fue tan duro con un puñado de pobres reclutas. Visionar toda la secuencia provoca una mezcolanza de sensaciones, que van desde el horror y la vergüenza ajena hasta la risa nerviosa. Haced la prueba.
¡Ah! ¡Se nos olvidaba! Si tenéis niños delante mandarlos a ver la tele o a jugar, antes de darle al “play”, porque si aprenden alguna palabrota antes de tiempo, no queremos que sea por nuestra culpa.

Parecidos razonables

El actor Kevin Bacon Vs. la actriz Sissy Spacek. Viéndolos juntos podrían pasar por hermanos, o si queréis, llamarse perfectamente Kevin Spacek y Sissy Bacon.

De aquí: El efecto Iguazú

El título del documental que se le ocurrió a Adolfo Giménez, presidente del comité de empresa, hace referencia a una hermosa metáfora sobre la extraordinaria catarata de Iguazú y sobre como acaba con todo lo que navega por ella.
Los mil ochocientos empleados de la empresa de telecomunicaciones “Sintel”, estaban acostumbrados a la lucha (desgraciadamente habitual), para establecer sus convenios. Hasta que un día se encontraron en “la puta calle”. La fraudulenta venta de la empresa, la falta de interlocutores y la nula respuesta del gobierno les obligó a emprender una acción sin precedentes. Se establecieron en un precario campamento bautizado por ellos mismos como “Campamento de la esperanza”, compuesto por austeras tiendas de campaña y chabolas, en el mismísimo centro financiero de la capital y en plena era del capitalismo globalizador. En total, 187 días con sus noches.
Y allí en el madrileño Paseo de la Castellana estuvo junto a ellos el cineasta catalán Pere Joan Ventura con todo su equipo, rodando más de noventa horas de material. (Entrevista en “El diario de Catalunya”, Diciembre 2002: “La película trata un conflicto que sigue existiendo, que está vivo, y en el que está implicado el Gobierno y una gran empresa, que participa en la propiedad de muchos medios. Las últimas manifestaciones de “Sintel” se están silenciando”). Desarrolló el guión junto a la periodista Georgina Cisquella, y decidieron destinar los beneficios de la película a la asociación de trabajadores de “Sintel”, (gran gesto).
Señalar que "El efecto Iguazú" se llevó un Goya en el 2003 en la categoría "Mejor Película Documental"
De vez en cuando, creemos que viene bien mostrar al espectador un trozo de vida real aunque sea condensada en 90 minutos, más que nada, para recordarnos quiénes y qué somos.

Actores de otro mundo: Daniel Emilfork

Bueno, hoy le toca el turno a uno de esos actores que ha sido verdaderamente difícil de ver, o si queréis llamarlo de otra manera, feo, pero éste fue tanto, que se le otorgó durante mucho tiempo el galardón (no buscado), del "actor más feo del mundo", (se ve que no se acordaron de Michael Berryman). ¡Ah!, pero eso sí, su fealdad fue directamente proporcional a su simpatía.Ya lo habéis visto, hablamos del recientemente desaparecido Daniel Emilfork. Francés de adopción, aunque de origen chileno, nació en San Felipe un 7 de abril de 1924. Hijo de emigrantes judíos rusos, cursó sus estudios en el Liceo de Hombres de su ciudad natal. En Francia se realizó como actor trabajando en casi cien películas, y además, con directores tan importantes como Federico Fellini, Roger Vadim, Roman Polanski o Jeunet y Caro. También hizo teatro y algunas series de televisión. Su primera aparición en la gran pantalla fue en el año 1955 con la película francesa "Futures vedettes". Los rasgos fisonómicos de Daniel Emilfork, al contrario de lo que pudiera parecer, le abrieron muchas puertas dentro de la interpretación, siendo un actor idóneo para realizar "papeles" de vampiros, genios locos, y gente así. Personajes que por otro lado interpretaba magistralmente. Ahora mismo nos acordamos cuando hizo de Krank, su personaje en la película "La ciudad de los niños perdidos", un excéntrico científico atormentado porque no podía soñar.Su interpretación en ésta película fue fantástica, donde además explotaron su inusual cara, sus gestos y sus muecas, hasta que no dieron más de sí. Durante su carrera, hizo tanto primeros como segundos "papeles", aunque predominaron más éstos últimos.
Para finalizar éste breve repaso por su vida, concluiremos detallando que Daniel Emilfork corta de golpe su carrera interpretativa, porque muere el 17 de octubre 2006 en París, por causas naturales.

Esencialmente malas: Tintorera

“Unas vacaciones en una isla tropical, hará que dos turistas mexicanos se las vean con la peor amenaza marina que pudieran imaginar, un tiburón tigre de exageradas proporciones”.
Bien, este es el argumento de este bodrio mexicano. ¡Un saludo a los mexicanos que nos visitan!
Aprovechando el período estival (¡que calor que hace en Alicante por Dios!) hoy sacamos a la palestra una película de escualos asesinos... “Tintorera” (1977), del director mexicano René Cardona Jr. No hace falta decir, porque seguramente lo habréis adivinado, de que se trata de otra copia mala más, nacida de la inspiración de la divina “Tiburón” (1975) de Steven Spielberg. Nada que ver claro. Aquí, la acción se limita a cuatro cutre ataques contados y brevísimos. Puede incluso parecer más una peli de porno “soft” (también mala por supuesto), que otra cosa; porque los dos protagonistas de la cinta Steven y Miguel, cazadores de tiburones (qué casualidad), se tiran buena parte del film de “rollo” con un par de macizas inglesas. Después, los valientes mozos deciden dar muerte al tiburón tigre (como título queda un poco rimbombante, mejor tintorera), responsable de las muertes de los incautos de turno. En fin, para qué. Haceros cargo, si el guión y la trama brillan por su ausencia, la acción es escasa, previsible y bastante irrisoria, y de la interpretación mejor no hablar… ¿Qué se puede salvar del celuloide? Sólo si nos ponéis una pistola en la sien, algunos planos subacuáticos (que triste). Nada, para eso cogeros un episodio de “El Mundo Submarino” de Jacques Cousteau, y saldréis ganando.

El cine a la fresca y en cualquier lugar

Cuando el calor aprieta en estos días de verano (cada vez más por el inexorable cambio climático), y queremos evadir nuestra castigada mente visionando algún estreno, tened en cuenta la atractiva alternativa de ver la peli en cines "descapotados". Detrás del genérico concepto de los cines de verano, existen multitud de variantes, tanto en contenidos como en ubicación. Así, podemos encontrarnos escenarios en principio tan poco propicios para la proyección de un film, como el centro de una ciudad, una plaza de toros, un museo, un parque o la misma playa; con butacas de quita y pon y pantallas hinchables. ¡En un "plis plas" un cine montado!. Y es que en España la oferta de cintas para proyectar al aire libre es muy amplia, desde estrenos veraniegos para "desengrasar" hasta las pelis más "se-sudas" (nunca mejor dicho). Siempre por supuesto, con la diversión como primera premisa. No está nada mal disfrutar del último estreno "arrasa taquillas" sin renunciar a la calidad de imagen y al sonido de siempre, mientras sorbes los chorretes de un cucurucho helado, te bebes un refresco, un tinto de verano o incluso ingieres unas "tapas" en el reciente cine inaugurado en el complejo "Cinequinto" de Dos Hermanas (Sevilla). España tiene desde 1984, el Festival de Cine al Aire Libre de Madrid (Fescinal), hay muchos más, pero éste uno de los cines de verano más importantes, con casi 2000 butacas y dos hermosas pantallas. Su atractivo radica, a parte del espacio al aire libre, en que en ésta edición por ejemplo, hay una mayor presencia de cine español (nos tememos que no lo suficiente), más pelis infantiles y más proyecciones en versión original que es lo suyo. Además desde el año 2000 se organizan encuentros con directores y actores del panorama nacional. En definitiva, una oferta atractiva y a la luz de la Luna, ¿qué más queréis?.

Una rata de cocina

Tenemos un film de excepción, porque se trata de una de las mejores películas que ha confeccionado los estudios de animación "Pixar". La cinta ha logrado colarse en la lista de los cincuenta mejores films de la historia, que no es poco.
En sí, es buena por varios motivos. El guión es impecable y elaborado, y se ha superado la capacidad visual de las anteriores películas de la casa, mejorado sus logros técnicos. Parece increíble pero es cierto. Además sus alicientes en la historia, rebasan con mucho el ámbito infantil. Los mayores disfrutarán tanto o más que los peques. "Ratatouille" es un juego de palabras con un sabroso plato a base de verduras de la cocina francesa. Como consigue el film transformar una vulgar rata, en un personaje encantador ducho en las artes culinarias, haciendo que la historia no solo interese, sino que suscite además una notable atención en todo momento, es algo verdaderamente a elogiar, y "Ratatouille" lo hace, y muy bien. Una curiosidad es que Ferran Adriá dobla a un comensal bastante "tiquismiquis". En definitiva se trata de otro acierto de la factoría "Pixar", trepidante, inteligente, imaginativo y divertido.

El director del mes: "filmar es mi vida" Antonioni

Como ya sabréis, el mismo día que Berman muere el director de cine italiano Michelangelo Antonioni en la víspera de los 94 años de edad.
Nacido el 29 de septiembre de 1912 en Ferrara (Italia), y fue también escritor y pintor. En 1985, sufrió un derrame cerebral que le provocó una parálisis parcial, pero que no le impidió gracias a su empeño, seguir trabajando detrás de la cámara. No es de extrañar tal coraje, de una persona que afirmó en una ocasión "Filmar es mi vida".
Antonioni rodó su primer cortometraje, el documental “Gente del Po”, entre 1943 y 1947, luego colaboró en el guión de “Un pilota ritorna”, de Roberto Rossellini, y trabajó como ayudante del director Marcel Carné. Su último trabajo fue “Il filo pericoloso delle cose”, de 2002.
Entre sus filmes más destacados están “Blow up”, de 1966, rodado en Londres con David Hemmings y Vanessa Redgrave, y basado en el cuento "Las babas del diablo", del argentino Julio Cortázar, autor de “Rayuela” piedra angular del género novelístico. Antonioni fue nominado en dos ocasiones a los “Oscar”, y en 1995 se le concedió uno honoraria por su carrera.
Kim Newman, crítico cinematográfico dijo de él que “las mejores películas de Antonioni mostraban el horror de la sociedad italiana de la posguerra, y lo trivial y superficial que el mundo se había convertido". Sin embargo añadió: "las películas son tan maravillosas y la gente que aparece en ellas tan atractiva que no te queda sino sentirte bien y hasta te gustaría alienarte como ellos".
Sirvan éstas palabras para rendir nuestro pequeño homenaje y nombrarlo director del mes en nuestro blog.

De aquí: "En construcción"

“En Construcción” demuestra que el cine puede ser otra cosa diferente a lo que estamos acostumbrados a ver. En este trabajo casi documental, se vislumbra una clara necesidad de adaptación entre el contenido y la forma.
Su director José Luis Guerin y su equipo, estuvieron tres largos años trabajando en la realización de esta película, en la que se filmaron más de 110 horas de material. La cámara aquí es tan sólo un espejo, una ventana que muestra la vida diaria tal como es, sin artificios. Observa, no juzga ni critica, y ahí está la clave de su éxito. Situada en el barrio chino de Barcelona y protagonizada por actores no profesionales, este relato multilateral es la historia de una mutación, de una transformación que va progresando poco a poco.
Un gran edificio de viviendas es construido a costa de viejas casas que son demolidas. Siguen los trabajos de hombres y máquinas durante la erección del inmueble, alterándose el paisaje urbano y humano de una ciudad en constante evolución. Los comentarios de los vecinos, los obreros, las historias y la problemática del barrio, son de una cotidianeidad exagerada.A destacar el atrevido plano fijo, en el que un anciano indigente, fruto de lo que acontece ante sus ojos, sostiene largo rato la mirada ante la cámara. Genial, a la vez que desolador. Comentaros también que muchos han acusado injustamente a nuestro paisano Adán Aliga y a su premiada película "La casa de mi abuela" de copia de "En construcción". No tienen nada que ver la una con la otra, y sabemos de buena tinta, que si se asemejan en algo, es por mera casualidad.
“En construcción” es una gran obra, única y realmente incatalogable.

Parecidos razonables

Smithers, “el lameculos” del Señor Burns vs. el Sr. Alberto Ruiz-Gallardón, alcalde de Madrid.
Por supuesto que el parecido es solo externo, y no interno, porque Gallardón no tiene un Sr. Burns… ¿?.

Hamburguesas con “M”ierda

Eric Schlosser se ha preocupado en su ensayo, de que todos sepamos lo que es una hamburguesa, la comida basura y las consecuencias que pueden acarrear su habitual consumo. Pero ahora es el cineasta Richard Linklater el que nos cuenta esto en su película "Fast Food Nation". Un ejecutivo de marketing de la poderosa empresa de comida basura Mickey´s (esa “M”, esa “M” ¿dónde he visto yo esa “M”?) desciende a la auténtica realidad de los productos que usa su empresa para elaborar. Nada menos que se da cuenta de que sus jugosas hamburguesas de carne picada contienen a parte de más grasa que las caderas de una morsa, auténtica y genuina materia fecal (mierda vamos…); que las costumbres higiénicas de sus empleados parecen aleccionadas en los albores de una pocilga y que además la mayoría tienen menos papeles que la libreta del bloc de notas del Windows. En fin, no hace falta ser muy listo para darse cuenta de que el cuadro resultante es lamentable, y asesta un duro golpe en el hígado corporativo de la alimentación. Solo resaltar que la peli, aunque toca un tema ya abordado en alguna que otra ocasión, está repleto de curiosos cameos como el de Avril Lavigne o Bruce Willis y además, presume de abanderar un activismo político apto para menores. ¿Hace una doble Wopper con queso en un Mc Mickey´s? Éste no sale en la película pero queda bien aquí.

De lo más...psicotrónico: “Duel with the Devils”

De Hong Kong nos han llegado abundantes de cintas sobre dudosas artes marciales, cuál de ellas más casposa, absurda y disparatada. Hoy queremos recordar ésta producción de 1977, producto sin lugar a dudas único en su especie.
Ambientada en la dinastía Qing, comienza con la evolución de dos tías (las heroínas), que han sido entrenadas desde crías por los monjes Shaolin en las temibles disciplinas (ojo al dato), "La espada del ojo del relámpago" (creemos que no tiene nada que ver con el sexo anal) y "El cielo y la Tierra" (tampoco es la segunda parte de "El hombre y la Tierra" de Felix Rodríguez de la Fuente). Con ambas técnicas, piensan vengarse del maligno emperador porque se cargó a toda su familia. Pero el emperador cuenta con poderosas armas para luchar contra las rencorosas muchachas; como dos (uno para cada una) diabólicos hechiceros, con lenguas de más de un metro de largo que pendulean lascivamente cuando hablan (¡¿para qué sirve ese poder?!), o dos (uno para cada una) afelpados gorilas pulgosos expertos en el noble arte del Kung Fu. Tras los primeros mamporros (que parecen no haber servido de nada, porque están todos igual de frescos), descubren que los simios tiene un punto débil en toda la "cocorota". Entonces, hacen uso de la excelente técnica "La espada del ojo del relámpago" (así cualquiera), para saltar sobre las cabezotas despeluchadas de los enrabietados micos taladrándolas. Sendos géiseres de sangre brotan de ellas para sorpresa de los monos y regocijo de las féminas, formando un espectacular arco carmesí de varios metros de altura. El espectáculo era como si dos bomberos desde la calle, apagaran un incendio en el piso doce del hotel Bali de Benidorm.
¡Madre mía, que fuerte!.

Igman Berman, se ha marchado para siempre

El cineasta Igman Berman, conocido por películas tan buenas como "Fresas salvajes" o "El séptimo sello", falleció ayer a los 89 años de edad en la isla sueca de Farö. Sus obras se convirtieron en una búsqueda del sentido de la vida, el perdón y la clemencia divina; a la vez que ofrecía una visión un tanto melancólica de Suecia. Fue tachado de autor oscuro, atormentado y de carácter difícil, a pesar de que Woody Allen dijo en su 70 cumpleaños que él era "problablemente el mejor artista cinematográfico desde la invención de la cámara". Y nosotros añadimos que posiblemente haya sido uno de los directores más importantes del cine moderno.

La última escena: Malkovich,Malkovich,Malkovich,Malkovich…

Os hemos seleccionado ésta sorprendente escena de la original y extraña película “Cómo ser John Malkovich” (2000), de Spike Jonze. El Actor John Malkovich que se interpreta a sí mismo, cruza la puerta de su propio ser para encontrarse con él mismo, pero al hacerlo, esto es lo que encuentra…

“Más de lo mismo: “Los Simpson: La película”

Ayer se estrenó en nuestras salas, la esperadísima película de animación, “Los Simpson: La película” . Que podemos decir que no sepáis ya de la familia más famosa de Springfield y el mundo entero. Hoy por hoy, Homer Simpson se ha convertido en un auténtico icono para varias generaciones en las últimas dos décadas.
Popularizada gracias a la televisión, constituye la serie cómica más longeva de Norteamérica.
En la película, “Homer debe salvar al mundo de una pestilente catástrofe que él mismo ha provocado, y que Springfield jamás ha experimentado. Aunque el conflicto se le complica a todos los niveles, incluido el familiar.”
Visto su estreno, nos asalta una irremediable duda. ¿No habrá sido demasiado tarde hacer un largometraje con casi 400 capítulos machacados a sus espaldas?
Parece que la película si ha aguantado a éstas alturas, una nueva aventura en éste formato, es más, se vaticina un gran éxito de taquilla. Pero francamente, el film nos cuenta más de lo mismo, aunque bien cargado del conocido cinismo y humor ácido que los caracteriza, con esos “Simpson” espetando las mismas expresiones y comportándose igual que en la serie. En definitiva se trata de un capítulo más, pero de una hora y veintiséis minutos; aunque eso sí, mucho más… ¿completo?. Ah! y por si fuera poco, con la típica fórmula de sorpresa final en los créditos…

Actrices de otro mundo: Rhea Perlman

Bueno, aunque sea de apellido Perlman, no tiene nada que ver con el actor (también feo) Ron Perlman (biografiado en éste blog). Se conoce que dicho apellido tiene el estigma de la fealdad.
Rhea Perlman nace el 31 de marzo de 1948 en Brooklyn, Nueva York (USA). A pesar de que ha trabajado poco en el cine, ahora mismo sólo se nos ocurre sólo un título “Matilda” (1996), se le ha conocido más gracias a su papel de Carla Tortelli, en la serie “Cheers” . Encasillada prácticamente en comedias sitcom o películas para la pequeña pantalla (sí, de ésas que echan a la hora de la siesta) se ha desenvuelto especialmente bien. Volviendo al tema Perlman, como hemos dicho anteriormente, no tiene nada que ver con el actor Ron Perlman, aunque sí es hermana de Heide Perlman; escritor, redactor y productor de la serie “Cheers”, y también es hija de Phil Perlman (de los Perlman de toda la vida) que aparecía de vez en cuando en la barra (fija) del bar de la misma serie. La fealdad no es sinónimo de soltería, por eso está casada con el actor cómico Danny de Vito desde 1983, con el que además tiene tres hijos. Esperemos que se haya roto el estigma “Perlman” con ellos.
Para finalizar os diremos, que ha recibido 10 nominaciones al premio Emmy, a la mejor actriz de soporte, por (otra vez) la serie “Cheers” (de 1982 a 1993 exceptuando el año 1992, que no fue nominada) y lo ha ganado cuatro veces en los años (1984,85,86 y 89) por la serie sitcom “Pearl”. Vamos, que es muy buena en lo suyo.

Finiquito a nuestro guión literario

Tras un arduo trabajo a tiempos perdidos, por fin hemos acabado el guión literario de lo que será “si Dios quiere” nuestro próximo cortometraje. En el mes de septiembre acabaremos el guión técnico y comenzaremos a buscar localizaciones. Por supuesto también buscaremos colaboración artística y técnica; y toda la ayuda extra que podamos encontrar será bienvenida.
Por ahora nada más.

Esencialmente buenas: Reservoir Dogs

Nos encontramos ante el debut cinematográfico del consagrado Quentin Tarantino. En ésta excelente película podemos encontrar rasgos que se han convertido posteriormente en distintivo de la "casa Tarantino". Como director y guionista, eso se convierte en una gran virtud, el poder dotar a tus trabajos de una personalidad que ha creado escuela. ¿Quién le iba a decir a éste ex empleado de video club, que iba a convertirse en todo una institución?

“Seis gansters son contratados por Joe Cabot (Lawrence Tierney) y Eddie Cabot (Chris Penn) para un atraco. Ellos no se conocen entre sí y se mantienen en el anonimato, escondidos bajo nombres de colores: Sr. Rosa (Steve Buscemi), Sr. Blanco (Harvey Keitel), Sr. Naranja (Tim Roth), Sr. Marron (Quentin Tarantino), Sr. Azul (Edward Bunker) y Sr. Rubio (Michael Madsen). La policía aparece inesperadamente en el momento del atraco, haciendo sospechar que hay un traidor infiltrado. Reunidos a puerta cerrada en un viejo almacén abandonado, los que han quedado se enfrentan entre sí intentando descubrir quién es el traidor...”“Reservoir Dogs”, está protagonizada por los magníficos Harvey Keitel, Steve Buscemi, Michael Madsen, Tim Roth, Chris Penn y Lawrence Tierney, que hacen en el film un trabajo excelente. Uno de los grandes aciertos del film, es el minimalismo de medios y la simpleza narrativa, considerándose ésta película como un verdadero hito del cine independiente.
Y es que Tarantino quería filmar la película en 16 mm. y con un presupuesto de 30.000 dólares. El productor Lawrence Bender sería quien realizaría el papel de "Eddie Cabot". Sin embargo, el actor Harvey Keitel se involucró en el proyecto porque la esposa de Bender, le entregó una copia del guión a Keitel. Keitel no sólo participó con un “papel” en el film sino que también lo hizo como co-productor. Con esto, el presupuesto se elevó a 1,2 millones de dólares; mucho para una película independiente, pero poco para una producción de Hollywood.

Parecidos razonables

Nuestra actriz Nuria González vs. “Gollum” del “Señor de los Anillos”. Si Peter Jackson hubiera pensado en Nuria González antes de diseñar a su “Gollum” , lo mismo se hubiera ahorrado una pasta.

El director del mes: David Cronenberg

Nació en Toronto, Ontario (Canadá) el 15 de marzo de 1943. Su padre era periodista y su madre tocaba el piano. Gracias a la influencia de ésta, tocó la guitarra clásica hasta los 12 años; y también escribió y publicó historias de misterio siguiendo la trayectoria de su padre. David Cronenbreg, se graduó en la Universidad de Toronto en literatura.
Hizo su primera película “Transfer” en 1966, y en la actualidad, está considerado un director absolutamente de culto. Aunque recordemos que no sólo es director, sino también escritor, productor y actor. Alcanzó gran renombre gracias a su película “Scanners” (1981), con aquella famosa escena (publicada en éste blog), en la cual, la cabeza de un ponente conferenciante explota literalmente en mil pedazos.
Le gusta involucrar a su herma Denise Cronenberg en sus proyectos cinematográficos, la cual se encarga de diseñarle los trajes para sus "fantásticos" films.
Se ha declarado ferviente admirador del mundo insectívoro, tal vez por eso sus películas siempre han estado caracterizadas por el horror causado por una mutación, por un repugnante parásito, o por condiciones médicas particulares. Realmente sus cintas, hacen casi siempre referencia a la “carne” o la “nueva carne”.
Por último, éste director tiene obras tan importantes en su haber como: “Scanners” (1981), “Videodrome” (1983), “La zona muerta” (1983), “La mosca” (1986) o “eXistenZ” (1999), entre muchas otras por supuesto...

Terror sucio y decadente en forma de videoclip

Os traemos el brutal e impactante videoclip con reminiscencias de terror gótico: “- Closer: Director's Cut” de los NIN (Nine Inch Nails), digno de ser visionado. Lo que llama la atención de ésta pequeña joya, a parte de la increible potencia musical, son algunos de sus duros planos, infectados de una fuerza y belleza perturbadora. La estética visual es asfixiante, decadente y salvaje; con ese viejo celuloide ocre, granuloso y sucio que se hace patente durante todo el videoclip. Una pasada.

Actores de otro mundo: Steve Buscemi

Steve Buscemi sale del líquido amniótico un 13 de diciembre de 1957 en Brooklyn (Nueva York). En sus duros comienzos y antes de tocar el mundo del cine, trabaja como camarero, heladero ambulante y bombero voluntario (más abajo explicamos por qué). Empieza a interesarse por la interpretación cuando cursa secundaria en la “High School”. Al graduarse se traslada a Manhattan para estudiar interpretación junto a Juan Strasberg. Más tarde comienza a escribir piezas teatrales originales junto al actor y escritor Mark Boone Jr. Tuvo su debut como actor en la película “Parting Glances” (1986), y después fue un no parar con algunos de los directores más carismáticos de Hollywood como “Los Hermanos Coen”, Quentin Tarantino o Jerry Bruckheimer.
Su delgado cuerpo y su cara huesuda con esas ojeras de "bolinga" o pervertido aficionado al onanismo le han dibujado un perfil ideal para la interpretación de secundarios raros, "desviados", alcohólicos o asesinos excéntricos. Personajes que por otro lado interpretaba siempre magníficamente, convirtiéndose merecidamente en uno de los más respetados actores de cine independiente.
Se llevó el premio “Independent Spirit Award” como mejor actor de reparto en la película “Reservoir Dogs” de Tarantino, haciendo de "Mr. Pink".
Os contaremos que a consecuencia de una reyerta real, en abril de 2001, durante el rodaje de “Falsa Identidad” en un local de Wilmington, Carolina del Norte, fue apuñalado en la garganta y cortado en la cabeza y en el brazo. También estuvo implicado el actor Vince Vaughn que al intentar ayudar a su amigo Buscemi le rajaron la mejilla, y ahora tiene que disimular la cicatriz con abundante maquillaje cuando le toca rodar. Pero no creáis que Steve Buscemi es un tío problemático en la vida real, porque el día después del atentado terrorista a las "Torres Gemelas", Buscemi estuvo trabajando y prestando su ayuda como bombero voluntario para localizar entre los escombros a los bomberos desaparecidos. Qué buena gente y que buen actor es este Steve…

¿Es un pájaro? ¿Es un avión? ¡No…! Es Super… ¿sonic man?

Nunca nadie antes se había sostenido tan azarosamente delante de una transparencia con imágenes aéreas de Nueva York (bueno, a veces lo que sobrevuela es el puerto de Valencia, solo que con una foto del “Skyline” de Manhattan tapando los edificios) y un ventilador (aunque por lo poco que se mueve la capa parece más un secador de pelo) salvo nuestro héroe de las galaxias, el blaugrana “Supersonic Man”.
Se trata de una casposa “explotation” hispana de 1979 digna de admiración y obra del director Juan Piquer Simón, que no hizo más que aprovechar la fiebre de superhéroes que había crecido en el mundo tras el éxito de “Superman” la película.
Los poderes de "Supersonic Man" (un tipo con bigote que parece sacado de un anuncio de lociones capilares de una antigua barbería de barrio) son muy variados, que van desde levantar un tractor de madera de balsa que debe pesar por lo menos 5 kilos, hasta convertir las pistolas en plátanos, o hacer que los coches exploten sin ton ni son… Además sus proezas siempre van acompañadas por una canción disco-chic que ni los “Bee Gees” vamos…
Bueno como no queremos ser unos brasas, os dejamos con una escena del superhéroe en cuestión, porque ya sabéis aquello de que una imagen vale más que mil palabras… ¡Ah! y no flipéis demasiado con el temazo musical…Caspa y cutrerío a raudales.

28 semanas... para el día 29....

Mañana día 29 estreno en las salas nacionales de la película inglesa "28 semanas después", secuela del film “28 días después”, obra del director Juan Carlos Fresnadillo... La historia arranca seis meses después de que el virus haya asolado Gran Bretaña. El ejército de los Estados Unidos declara que la guerra contra la infección ha sido ganada y que la reconstrucción del país puede dar comienzo. Con el regreso de una primera oleada de refugiados se produce la reunión de una familia que se vio separada por los terribles acontecimientos que se produjeron, aunque uno de sus miembros porta, sin ser él consciente, un terrible secreto. El virus todavía no ha desaparecido y esta vez, es aún mucho más peligroso.
Con éste argumento la cinta promete diversión y sustos a partes iguales. Parece ser que la película no es para estómagos débiles. Es brutal, y casi agotadoramente terrorífica, como debe ser. Además presume de ser inteligente, tanto en sus ideas como en sus técnicas…
Habrá que verla. zombis enrabietados de ésta guisa y muchos más...
... sustos.