El director del mes: Los hermanos Coen

Joel y Ethan Coen,son conocidos en la industria cinematográfica con el apodo de "el director bicéfalo" (the two-headed director). Muchos actores que han trabajado con ellos cuentan la anécdota de que al estar tan compenetrados, cuando se les realiza una pregunta sobre el guión o sus personajes a cada uno de ellos por separado, reciben exactamente la misma respuesta de cada hermano...
Joel Coen nació el 29 de noviembre de 1954. Está casado con la actriz Frances McDormand desde 1984, con quien tiene un hijo adoptivo, llamado Pedro.
Ethan Coen nació el 21 de septiembre de 1957 y está casado con Tricia Cook. Crecieron en St. Louis Park, Minnesota, en los arrabales de Minneapolis. Su padre era profesor de economía, y su madre profesora de historia del arte.
Resulta realmente asombroso que dos hermanos de un pequeño pueblo de Minnesota, y sin la ayuda de nadie, lograran desde hace ya mucho tiempo, tanto mérito y reconocimiento. Precusores absolutos del "cine independiente" o ahora también llamado"cine indie", ha sido su film bicéfalo "Sangre fácil"(1983), el responsable de que los lanzaran al bautismo cinematográfico, unido a su primer premio conseguido en el Festival de Sundance, (recordamos) altar del cine independiente.
A partir de de ese debut y a lo largo de su carrera nos han deleitado con ese cine que solo ellos saben hacer y que es capaz de no dejar impasible a nadie, imprimiendo carácter y personalidad en cada uno de los fotogramas que guardan las latas de sus películas. Sirvan como ejemplo títulos tales como: "Muerte entre las flores" (1990), "Fargo" (1996),"El gran Lebowski" (1998), o "El hombre que nunca estuvo allí" (2001). Su última película ‘No Country For Old Men’ una violenta cinta de Joel y Ethan Coen, fue calificada en su reciente estreno por varios periodistas como la mejor obra de ambos hermanos en el último decenio.Basada en la novela del mismo título del escritor estadounidense Cormac McCarthy, esta crónica de una persecución implacable en la frontera entre EEUU y México está protagonizada por Josh Brolin, Tommy Lee Jones, Kelly Macdonald y un apabullante Javier Bardem recibido con una ovación en la rueda de prensa tras el pase.
Los Hermanos Coen; dos directores muy personales que se fijan en la vida real para hacer el mejor cine.

El director del mes: Stanley Kubrick

Bueno amigos, qué os podemos decir del maestro Stanley Kubrick. Este escrupuloso y perfeccionista director ha sido literalmente el responsable de gran cantidad de obras maestras del celuloide. Nació en el barrio del Brox Neoyorkino un 26 de julio de 1928. Se interesó por la fotografía desde muy joven. Llegó a trabajar para la revista Look, donde hizo brillantes reportajes fotográficos a las más importantes estrellas del momento. Fue gran aficionado al ajedrez y la música, en especial al jazz. Su melomanía le permitió durante toda su carrera, el poder discutir todos los aspectos relacionados con la banda sonora de sus películas, y el metódico ajedrez quizás sembró en él el perfeccionismo y la frialdad en la dirección.
Su primer largometraje “Fear and Desire” (1953), va de un pelotón de soldados que lucha en medio de la nada y en una tierra sin nombre. Según él mismo afirmó, supuso para él un "error de juventud" del que sabemos quedan escasas copias del film debido a su empeño de destruir todo rastro de material.
En “Atraco perfecto” (1956), la utilización del tiempo cinematográfico que hace Kubrick, sería imitada posteriormente por directores como Tarantino en “Reservoir Dogs”, pues supuso una innovación para la época. Kubrick contrató a Garret Brown el inventor del “steadycam” para que lo manejara en su película. En "Barry Lyndon", rodó los interiores exclusivamente con la luz de las velas, gracias a unos objetivos especiales Carl Zeiss (abertura máxima de f/0,7) que había comprado a la NASA.Su obra, se ha visto salpicada por la polémica en diversas ocasiones. "Senderos de gloria" (1957), estuvo prohibida durante décadas en Francia, debido a su mensaje antibelicista y a cuyo ejército pertenecían los protagonistas. Con "Lolita" (1962) provocó que todos los párrocos de las iglesias estadounidenses exhortaran no ver la película, lo que por supuesto únicamente consiguió que tuviera un éxito sin precedentes. "La naranja mecánica" (1971), película de culto, son la violación y la ultraviolencia, las que provocaron una serie de actos vandálicos que intentaban imitar a la película. Kubrick tuvo que presionar a la distribuidora para que la retirase de los cines británicos. Muchos españoles tuvieron que ir hasta Francia para verla, ya que en la España de la época, por supuesto, estaba censurada.
Títulos como: "Espartaco" (1960), "2001: Una odisea del espacio" (1968), "El resplandor" (1980), o "La chaqueta metálica" (1987), lo encumbraron en el Olimpo de los Dioses del séptimo arte. El humanismo, contrariamente a otras opiniones, fue siempre el complejo motor que movió su cine.
Días más tarde de acabar de montar la película "Eyes Wide Shut" (1999), basada en la novela "Relato soñado" de Arthur Schnitzler. Stanley Kubrick moría en su mansión de Londres de un fulminante ataque al corazón. Su muerte ocupó de forma extraordinaria numerosísimas portadas a nivel mundial, el hecho no fue para menos...

El director del mes: "filmar es mi vida" Antonioni

Como ya sabréis, el mismo día que Berman muere el director de cine italiano Michelangelo Antonioni en la víspera de los 94 años de edad.
Nacido el 29 de septiembre de 1912 en Ferrara (Italia), y fue también escritor y pintor. En 1985, sufrió un derrame cerebral que le provocó una parálisis parcial, pero que no le impidió gracias a su empeño, seguir trabajando detrás de la cámara. No es de extrañar tal coraje, de una persona que afirmó en una ocasión "Filmar es mi vida".
Antonioni rodó su primer cortometraje, el documental “Gente del Po”, entre 1943 y 1947, luego colaboró en el guión de “Un pilota ritorna”, de Roberto Rossellini, y trabajó como ayudante del director Marcel Carné. Su último trabajo fue “Il filo pericoloso delle cose”, de 2002.
Entre sus filmes más destacados están “Blow up”, de 1966, rodado en Londres con David Hemmings y Vanessa Redgrave, y basado en el cuento "Las babas del diablo", del argentino Julio Cortázar, autor de “Rayuela” piedra angular del género novelístico. Antonioni fue nominado en dos ocasiones a los “Oscar”, y en 1995 se le concedió uno honoraria por su carrera.
Kim Newman, crítico cinematográfico dijo de él que “las mejores películas de Antonioni mostraban el horror de la sociedad italiana de la posguerra, y lo trivial y superficial que el mundo se había convertido". Sin embargo añadió: "las películas son tan maravillosas y la gente que aparece en ellas tan atractiva que no te queda sino sentirte bien y hasta te gustaría alienarte como ellos".
Sirvan éstas palabras para rendir nuestro pequeño homenaje y nombrarlo director del mes en nuestro blog.

El director del mes: David Cronenberg

Nació en Toronto, Ontario (Canadá) el 15 de marzo de 1943. Su padre era periodista y su madre tocaba el piano. Gracias a la influencia de ésta, tocó la guitarra clásica hasta los 12 años; y también escribió y publicó historias de misterio siguiendo la trayectoria de su padre. David Cronenbreg, se graduó en la Universidad de Toronto en literatura.
Hizo su primera película “Transfer” en 1966, y en la actualidad, está considerado un director absolutamente de culto. Aunque recordemos que no sólo es director, sino también escritor, productor y actor. Alcanzó gran renombre gracias a su película “Scanners” (1981), con aquella famosa escena (publicada en éste blog), en la cual, la cabeza de un ponente conferenciante explota literalmente en mil pedazos.
Le gusta involucrar a su herma Denise Cronenberg en sus proyectos cinematográficos, la cual se encarga de diseñarle los trajes para sus "fantásticos" films.
Se ha declarado ferviente admirador del mundo insectívoro, tal vez por eso sus películas siempre han estado caracterizadas por el horror causado por una mutación, por un repugnante parásito, o por condiciones médicas particulares. Realmente sus cintas, hacen casi siempre referencia a la “carne” o la “nueva carne”.
Por último, éste director tiene obras tan importantes en su haber como: “Scanners” (1981), “Videodrome” (1983), “La zona muerta” (1983), “La mosca” (1986) o “eXistenZ” (1999), entre muchas otras por supuesto...

El director del mes: Joe D´Amato

Hacemos hoy un breve pero intenso repaso a la extraña carrera de unos de los directores italianos más enigmáticos y controvertidos del panorama internacional.
Joe D´Amato o Aristide Massacessi (su nombre real) nace el 15 de Diciembre de 1956 en Roma (Italia). Aristide Massacessi utilizó más pseudónimos que cualquier director del mundo, y es que los usaba para no comprometer sus otras labores artísticas, la de escritor por ejemplo con la de cineasta. Con 14 años comienza a trabajar junto a su padre, jefe electricista, y más tarde fundador de la compañía “A.C.M.”. En edad estudiantil, Aristide compaginaba sus estudios yendo por las tardes a trabajar por horas como tramoyista y cámara para algunas películas. Cuando por fin acabó sus estudios, estuvo trabajando siete años para su padre. Pero digamos que su primera oportunidad para saltar a la industria del cine se la dio la productora “Mole Richardson” cuando buscaban a alguien como asistente de cámara. En 1969 comenzó a trabajar como director de fotografía y asistente de director en un buen puñado de películas baratas. Pero en 1972 dirige su primer film “Scansati... a Trinità arriva Eldorado” codirigida también por Diego Spataro. La película fue un fracaso comercial.
Comenzó a hacer películas de terror con su verdadero nombre, como “La Morte ha sorriso all'assassino” (1973), y posteriormente a dirigir films “soft-core “ y eróticos con el pseudónimo de Joe D´Amato, usando en varias películas a su “Emanuelle” particular Laura Gemser. Pero es a principios de los 80 cuando Joe D´Amato rubrica unos cuantos films gore absolutamente toscos como “Buio Omega”, de cierto éxito y rodado íntegramente en un chalet de Bressanone, “Zombi 2” o “Terror en el Mar Egeo”…
Es también en éste periodo cuando aprovecha para filmar más de 100 películas porno “hard-core” para el mercado del video italiano, utilizando incontables pseudónimos y en combinación con producciones convencionales, aunque siempre de bajo presupuesto. En los 90 parece abandonar definitivamente todas éstas películas bárbaras de mucha “hemoglobina” y Joe D´Amato se vuelca en la dirección de peliculas de porno duro ("...de Málaga a Malagón..."). Pero desgraciadamente su “exxxtrema” filmografía se corta bruscamente en enero de 1999, cuando Aristide Massacessi alias Joe D´Amato muere súbitamente en su casa de Roma a causa de un infarto de miocardio. Del gore al porno. Está visto que lo suyo era hacer películas para hombres...

El director de mes: Michael Moore

Éste mes traemos a uno de los directores actuales más polémicos y controvertidos de USA, a pesar de que todavía no posee una dilatada filmografía. Es un cineasta documentalista y escritor, conocido por su postura progresista y su visión crítica hacia la globalización, las grandes corporaciones, la violencia armada, la invasión a Iraq y las políticas del gobierno de George W. Bush. Por todo ello, le ha sido otorgado en nuestro blog, el honor de ser nuestro director del mes… con vosotros Michael Moore.
Nacido el 23 de abril de 1954 en Davidson (Flint, Michigan), estudió periodismo en la universidad del Michigan-Pedernal y comenzó a trabajar como un redactor para el diario de la universidad en la que él estudiaba. Tras conseguir algo de dinero, rodó "Roger & Me" (1989) (Roger y yo), un documental sobre lo ocurrido en su pueblo natal después de que la "General Motors" cerrara sus fábricas para abrir nuevas en México para abaratar costes. Ésta película lo colocó en la fama.
En 1999 consigue el premio "Hugh M. Hefner" al arte y el entretenimiento por su programa televisivo "The Awful Truth" ('la horrible verdad'). Con "Bowling for Columbine" (2002), hizo un análisis de la cultura armamentista estadounidense, y la película ganó especial atención en el "Festival de Cine de Cannes" (en Francia); ganó el premio "César" a la mejor película extranjera, y el "Oscar" al mejor documental. Tras entregarle el "Oscar" aprovechó la oportunidad para denunciar públicamente al presidente George W. Bush por llevar a su país a "una guerra ficticia" según palabras del propio Moore, refiriéndose a la "invasión" de Iraq de 2003, hecho que provocó lógicamente una gran controversia. Dos años más tarde, con su documental "Fahrenheit 9/11" contó los vínculos económicos existentes de décadas, entre la familia del presidente Bush, la familia real saudí y la familia Bin Laden, las hipotéticas motivaciones financieras "ocultas" de la invasión de Iraq de 2003 y la supuesta credulidad y ausencia de sentido crítico del ciudadano estadounidense medio. Por supuesto, el film tuvo un éxito sin precedentes en el género documental, con una recaudación de 120 millones de dólares, convirtiéndose en el documental más taquillero de todos los tiempos. Por último diremos que Michael Moore prepara para junio de éste año el estreno de su nuevo y esperado documental "Sicko", una crítica al sistema de salud en Estados Unidos…

El director del mes: Peter Jackson

Auténtico genio donde los haya, con una imaginación sin límite, conocido por sus comienzos en la comedia gore y hoy consagrado y situado en la fama y el reconocimiento mundial; eso sí, tras sus dos rotundos taquillazos, la trilogía de "El Señor de los Anillos" y “King-Kong”, hablamos efectivamente de nuestro director del mes, Peter Jackson. Nació el 31 de octubre en Pukerua Bay, North Island (Nueva Zelanda), y comenzó a hacer cine cuando un amigo de sus padres le regaló una cámara de 8mm. Rodó sus primeros cortos (de ficción) con su panda de amiguetes y elaboraba sus propios fx de manera puramente artesanal. Pero cuando contaba con 22 años hizo su primer largometraje, el que le cambió la vida; una película de muy bajo coste que empezó como una broma y que dirigió, escribió, produjo e interpretó en ella varios personajes. La película de la que hablamos es “Bad Taste” o “Mal Gusto”(1987); una rara comedia gore rebosante de ingenio. Una cámara de 16 mm., sus amiguetes habituales, un montón de fines de semana perdidos, 4 años de rodaje y fx caseros realizados por él mismo, fueron la constante en éste divertidísimo film convertido hoy en toda una obra de culto para los aficionados. Tras el rodaje de “Bad Taste”, un amigo de Jackson que trabajaba en la industria, vio que la película tenia perspectivas comerciales y lo convenció para que la presentara al festival de Cannes. Jackson lo hizo y ganó varios premios, siendo además la película muy aclamada por la crítica y el público presente. Después del éxito de “Bad Taste”, Jackson se reconoció como director y la puerta de la fama quedó abierta para mostrarnos su talento en posteriores films como: “Meet_the_Feebles” (1989), “Brain Dead” (1992), “Criaturas celestiales” (1994), la trilogía de “El Señor de los Anillos” (2001) o “King-Kong” (2005) por ejemplo.



Peter Jackson en "Bad Taste", justo antes de empezar a desayunar.

El director del mes: Jesús Franco

Que podemos contar que no se haya dicho ya del controvertido y simpático tío Jess… Jesús Franco Manera nació el 12 de mayo de 1936 en Madrid , es director de cine, actor, guionista, compositor, productor y montador. Ha rodado como director unas 200 películas (ahí es nada) y según ha declarado morirá "con la cámara al hombro". Ha trabajado en países como Francia, Alemania, Suiza, Portugal, Italia y Estados Unidos, convirtiéndose en un director de culto en casi todos esos países. Si es que ya lo dice el dicho “nadie es profeta en su tierra”, y por extraño que parezca, su obra ha sido alabada por gente como Quentin Tarantino o Frank Henenlotter.
Consultando su biografía, nos damos cuenta de que Jess Franco ha hecho mucho por el cine, innovando, saltándose las reglas establecidas, arriesgando, provocando y haciendo en definitiva lo que le ha dado la gana, a pesar de que en nuestro país, la obra cinematográfica de nuestro incomprendido Jesús Franco tiene un buen número de detractores que suelen considerarla como la quintaesencia del cine casposo: pobre, cutre, tosco y reiterativo. La aspereza visual de buena parte de sus trabajos parece darles la razón, pero sólo en apariencia. Frente a ellos, un cada vez más nutrido culto franquiano internacional estudia minuciosamente sus trabajos, recorridos por un espíritu libertario e iconoclasta que parece deberle tanto al Marqués de Sade como al Manuel Vázquez de los tebeos de Bruguera. En fin, que para gustos los colores y que si algo tenemos claro, es que su abultada filmografía no ha pasado inadvertida para los entendidos, tanto para bien como para mal. Como casi todo en ésta vida se nos plantea una disyuntiva, ¿casposo o genio?. Vosotros tenéis la palabra...
Pero mientras lo pensáis, hacemos un gráfico repaso de su obra y repercusión en el cine, con este magnífico documental; por cierto, avisamos que el contenido del mismo no es apto para menores de 18 años.

El director del mes: Roger Corman

Hoy tenemos al maestro indiscutible de la serie B de los años 50 y 60, conocido por sus numerosas películas de rápido rodaje y escaso presupuesto. Probablemente el último y más grande de una especie ya extinta. Maestro del ahorro y del cine de ficción por “cuatro duros”, que aprovechaba un mismo plano para usarlo en diferentes películas... Con todos vosotros, el productor y director Roger Corman.
Nació el 5 de abril de 1926 en Detroit, Michigan (USA). Su carrera la empezó trabajando como chico de los recados y encargado del correo en la “20th Fox”, luego fue pintor y tramoyista en algunos programas de televisión, más tarde se convirtió en revisor de guiones en la misma compañía y finalmente en agente literario. Pero toda su vida cambia radicalmente cuando le cogen un guión cinematográfico en la prestigiosa “United Artist” en febrero de 1953.
Bajo su dirección comenzaron sus primeros pasos en el cine numerosos guionistas, directores y actores ahora muy famosos, que tuvieron que forjar su aprendizaje a base de “sudar sangre” como: Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, Peter Bogdanovich, James Cameron o John Sayles. Y actores como: Jack Nicholson, Peter Fonda, Michael McDonald, Dennis Hopper o Robert De Niro. Y es que el señor Corman, nunca puso un proyecto en manos de un director, si este no se había curtido antes en otros films de la compañía, en la tarea que fuere demandada.
Se calcula que produjo más de 300 películas y dirigió cerca de 50 de ellas. El éxito de sus películas radicaba en que encerraban pura diversión y entretenimiento, eso sí, procurando que tuvieran algo de mensaje o moraleja final. Bien mirado, es una estupenda filosofía de entender y hacer cine, que con el paso del tiempo, ha creado escuela.
Entre sus films más conocidos destaca su serie de películas basadas en historias de Edgar Allan Poe producidas por la “American International Pictures”, incluyendo “La caída de la Casa Usher” (1960), “El pozo y el péndulo” (1961), “El cuervo” (1963) y “La máscara de la muerte roja” (1964). En la mayoría de estas películas Vincent Price era el actor protagonista.
Consagrado ya, el maestro Roger Corman, es reconocido y admirado en su faceta artística por multitud de fans en todo el mundo, para los que su firma significa culto, fascinación y diversión sin contemplaciones.
¡Cariño, hay una lechuga en la ventana que me sonríe!...

El director del mes: Paul Morrissey

Éste mes tenemos con nosotros a otro de los directores catalogados malditos e incomprendidos, Paul Morrissey. Creador “underground”, discípulo y “negro” de Andy Warhol desde la Factory a mediados de los 60. La realidad es que Morrissey se “machacaba”, escribiendo, produciendo y dirigiendo mientras que Warhol se limitaba poco más que a colocar su nombre encabezando los títulos de crédito. Pero esto cambió en cuanto a Warlhol lo dejaron “fuera de servicio” por un tiempo, a causa del tiro que le descerrajó una fan histérica. Aprovechando ésta circunstancia Morrissey tuvo tiempo de realizar su más famosa trilogía fílmica: "Trash" (basura) de 1968, "Flesh" (carne) de 1970, o "Heat" (calor) de 1971. Pionero de alguna manera del cine Dogma, con su trilogía, ya intentaba que fueran una especie de documentales, capaces de desenmascarar la falsedad del cine comercial, preocupándose por enseñar la parte más casposa del liberalismo sexual y el movimiento “hippy”. Nos mostró parte de la fauna nocturna del momento: gays sofisticados, travestis extravagantes o damas morbosas; e incluía en sus escenas el uso sin tapujos de la sangre y de las vísceras como elemento provocador añadido.
En “Flesh” Dallesandro busca dinero para dárselo a su esposa que a su vez, ésta se lo dará a su amante. En “Trash” , la pareja quiere concebir un niño con el fin de obtener la ayuda monetaria que otorga la seguridad social por tener hijos; algo que podría parecer normal, si no fuera porque ella era un travestido, y en “Heat”, es la recuperación de la fama perdida lo que mueve al personaje ir de cama en cama.Morrissey usaba los géneros cinematográficos para manipularlos a su antojo queriendo ser deliberadamente informal y polémico. Sentía adoración por el cuerpo masculino, y así quedó patente en los relamidos recorridos obsesivos que efectuaba con la cámara; escrutando centímetro a centímetro la desnuda anatomía de su actor fetiche, el Joe Dallesandro.
En realidad éste era un procedimiento inusual ya que en éstas fechas, era el cuerpo femenino el que dominaba la cultura pop. Mientras el cine pornográfico exaltaba el pubis, el “objetivo” de señor Morrissey se centraba en el pene de Dallesandro para convertirlo en hombre-objeto en las tres películas que conformaron su trilogía.
En la peli “Carne para Frankenstein” (originalmente rodada para el sistema 3D, lo que explica esos extraños primeros planos de vísceras y tripas) se establece una suerte de comercio de órganos para crear a la pareja que ha de engendrar al hombre perfecto, pero el experimento falla porque la cabeza del monstruo pertenece a un chico gay. En “Sangre para Drácula”, otra producción a medio camino entre la sofisticación “arty” y el puro cine-basura, el asunto de interés son los fluidos corporales. Y la destrucción del vampiro, (que aquí lo interpreta Udo Kier) tiene que ver con una ruptura de la tradición. Probablemente el tiempo haya pasado factura a la forma, pero en el fondo, si lo pensamos bien, las cinco películas que Morrissey denominaba de "naturalismo exagerado", tienen indudablemente vigencia todavía.

Joe Dallesandro a punto de acabar cansadísimo.

El director del mes: John Waters

“Todavía me pregunto por qué los estudiantes de cine siguen balbuceando sobre Orson Welles o Howars Hawks al tiempo que ignoran a los dos mayores maestros de la historia del cine: Russ Meyer y Herschell Gordon Lewis. Incluso los peores filmes de estos dos directores son infinitamente más interesantes que Ciudadano Kane”. - John Waters

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Uno de los grandes reyes de la contracultura, la basura y el cine underground. Irreverente hasta la saciedad, y admirador del gore primigenio, John Waters nació en Baltimore en 1946, ciudad en la que ha rodado todas sus películas. Desde pequeño ha estado obsesionado con la violencia, el sexo y la suciedad. Considerándose un freak desde siempre, comenzó a rodar pequeños filmes en 8 y 16 mm hasta que, en 1972, llegara la mítica Pink Flamingos, una historia sobre Divine, un travestido autoconsiderado la persona más guarra del mundo. Sucesivas escenas de perversiones, en la que le trama se basa en la búsqueda de la perfecta inmundicia por parte de todos los personajes de esta singular obra.