La cabina

No es de extrañar que tras la emisión de esta impresionante película, en 1972, muchos ciudadanos interpusieran un pié en la puerta de las cabinas telefónicas, para que estas no se cerraran del todo mientras realizaban una llamada.
Antonio Mercero logró entre otros reconocimientos, un premio Emmy en el 73, gracias a esta surrealista historia, con guión de José L. Garci y protagonizada por el gran José L. López Vázquez. Siendo hasta ahora el único español que cuenta en su carrera con este galardón.
"La Cabina" se ha convertido en pieza de culto con fanáticos seguidores en los lugares más insospechados, como el historiador Hugh Thomas, un apasionado de esta película. Bajo una apariencia surrealista y con una terrorífica trama, el film representó con gran ingenio (para salvar la temida censura) la oprimida sociedad de aquella época tan gris. Una "paralítica" sociedad que vivía encarcelada sin rejas aparentes en la carcel del franquismo, y una cárcel representada por cabinas en las que los ciudadanos quedaban atrapados sin que los demás pudieran hacer nada por ellos.
En 1998, José L. López Vázquez, protagonizó un anuncio de Retevisión, en el cual la puerta de la cabina se abría y podía salir al exterior. Este anuncio simbolizó el fin del monopolio de Telefónica y la liberalización del mercado de la telefonía en España.

En televisión, Mercero ha sabido conectar con crítica y público gracias a series como: "Ese señor de negro", "Verano azul", "Farmacia de guardia" o "Turno de oficio". Y en cine destaca por títulos como: "La guerra de papá", "Espérame en el cielo", "La hora de los valientes" o "Planta 4ª ". Además fue presidente de la Academia de Televisión en el periodo 1998-2000.

Esencialmente Buenas: Brazil

Hoy desempolvamos esta genial y delirante película de Terry Gilliam. Único miembro norteamericano de los británicos Monty Python y talentoso dibujante, se desvinculó de su obra anterior con esta película, en aras de una enérgica apuesta por el derroche imaginario y el expresionismo conceptual. Brazil (1985) es su obra más personal y ambiciosa. Se comenta, que tras el estreno, incluso hubo quien le recomendó que cambiara de "camello".
El film retrata una sociedad, desilusionada, casi esclavizada y encharcada en un oscuro y pesado sistema donde apenas queda tiempo para el desahogo pero con una mezcla de humor cruel y colindante sarcasmo. Una gigantesca maquinaria burocrática que mueve una anti-utopía opresiva y deshumanizada, hundida por la ineficiencia y amenazada por el terrorismo. Esta película trata diversos y complejos temas que son aderezados con una mezcla de humor cruel y colindante sarcasmo, retratando una sociedad desilusionada, casi esclavizada y encharcada en un oscuro y pesado sistema donde apenas queda tiempo para el desahogo. Una gigantesca maquinaria burocrática que mueve una anti-utopía opresiva y deshumanizada; hundida por la ineficiencia y amenazada por el terrorismo.
Pobre de aquel que se le ocurra contratar a un técnico calefactor, sin cumplimentar el impreso 27B/6.
La historia, situada en algún lugar en el siglo XX, se desarrolla en una atmósfera salpicada de elementos referentes a distintas épocas de dicho siglo, contribuyendo con ello a crear un ambiente irreal. Por ejemplo, los ordenadores están construidos a partir de una máquina de escribir, un pequeño tubo de rayos catódicos y una lente fresnel.
Un error en un apellido debido a una mosca caída en la cabeza de un teletipo provoca la detención de un pobre inocente, nadie quiere hacerse cargo del angustioso papeleo excepto el bienintencionado Lowry (Jonathan Pryce). Tanto su implicación en ese error burocrático, como su obsesión por la mujer de su vida y los contactos con un técnico calefactor clandestino (Robert De Niro), complican la vida a Lowry hasta tal punto, que pasa a ser considerado una amenaza para el sistema.
Como curiosidad, cabe destacar el evidente homenaje a "El Acorazado Potemkin", en la escena del tiroteo que se produce en el vestíbulo del Ministerio de Obtención de Información.
Obtuvo dos nominaciones a los Oscar, a la mejor dirección artística y al mejor guión original y fue elegida la película del año 1985, por la Asociación de Críticos de Los Ángeles (LAFCA) entre otros reconocimientos, a pesar de que contó con una reducida distribución y serios problemas en la postproducción que originaron el primero de los múltiples desacuerdos que el director tuvo con sus productores, y que los llevó a un conflicto resuelto por vía judicial.
Bazil es, en definitiva, uno de esos filmes que mejor encajan en el Cine de Culto.

Esencialmente buenas: Reservoir Dogs

Nos encontramos ante el debut cinematográfico del consagrado Quentin Tarantino. En ésta excelente película podemos encontrar rasgos que se han convertido posteriormente en distintivo de la "casa Tarantino". Como director y guionista, eso se convierte en una gran virtud, el poder dotar a tus trabajos de una personalidad que ha creado escuela. ¿Quién le iba a decir a éste ex empleado de video club, que iba a convertirse en todo una institución?

“Seis gansters son contratados por Joe Cabot (Lawrence Tierney) y Eddie Cabot (Chris Penn) para un atraco. Ellos no se conocen entre sí y se mantienen en el anonimato, escondidos bajo nombres de colores: Sr. Rosa (Steve Buscemi), Sr. Blanco (Harvey Keitel), Sr. Naranja (Tim Roth), Sr. Marron (Quentin Tarantino), Sr. Azul (Edward Bunker) y Sr. Rubio (Michael Madsen). La policía aparece inesperadamente en el momento del atraco, haciendo sospechar que hay un traidor infiltrado. Reunidos a puerta cerrada en un viejo almacén abandonado, los que han quedado se enfrentan entre sí intentando descubrir quién es el traidor...”“Reservoir Dogs”, está protagonizada por los magníficos Harvey Keitel, Steve Buscemi, Michael Madsen, Tim Roth, Chris Penn y Lawrence Tierney, que hacen en el film un trabajo excelente. Uno de los grandes aciertos del film, es el minimalismo de medios y la simpleza narrativa, considerándose ésta película como un verdadero hito del cine independiente.
Y es que Tarantino quería filmar la película en 16 mm. y con un presupuesto de 30.000 dólares. El productor Lawrence Bender sería quien realizaría el papel de "Eddie Cabot". Sin embargo, el actor Harvey Keitel se involucró en el proyecto porque la esposa de Bender, le entregó una copia del guión a Keitel. Keitel no sólo participó con un “papel” en el film sino que también lo hizo como co-productor. Con esto, el presupuesto se elevó a 1,2 millones de dólares; mucho para una película independiente, pero poco para una producción de Hollywood.

Esencialmente buenas: Gente de Sunset Boulevart

Nos encontramos ante una magnífica historia comedia-drama que atrapa desde el principio y que brilla en el fondo y en la forma; con un sólido guión y un ácido sentido del humor que acentúa el patetismo de sus personajes. “Gente de Sunset Boulevart” (1992) o “Mistress” (título original) ; ópera prima del director Barry Primus, explora el diálogo y el plano introspectivo, supeditando la acción al choque de dramas personales. Retrata de manera brillante y con un ritmo magnífico los entresijos de la “auténtica” industria del cine, a través de una soberbia galería de individuos representados magistralmente. El guión de Jonathan Lawton y del propio Primus, presume de motivaciones bien desarrolladas, elaboradas subtramas y de guiños muy sugestivos. Sin lugar a dudas “Gente de Sunset Boulevart”, supera con creces a “El juego de Hollywood” de Robert Altman (cercana en el tiempo y con temática semejante), haciendo además valer uno de sus principales atractivos; su reparto de lujo, con Robert Wuhl, Martin Landau, Robert De Niro, Danny Aiello y Elli Wallach. A destacar la espléndida interpretación de Martin Landau y Robert Wuhl.
En definitiva, la película pretende ser una protesta sentida contra el declive moral de unos seres humanos que navegan sin rumbo por los mares más turbios de esa supuesta fábrica de sueños que es Hollywood; sueños que esconden con frecuencia otras realidades…

Esencialmente buenas: El cebo

Espléndida película de 1958 que curiosamente permanece imborrable en el recuerdo (por lo espeluznante de algunas escenas), de los que la vieron por primera vez en televisión siendo chaval, y que ahora ya son respetables padres de familia. Fascinante, sorprendente, sugestiva y brillante; con una sublime fotografía en blanco y negro que recrea una atmósfera de pesadilla y que se ve reforzada por una banda sonora inquietante. Éstos son algunos rasgos que caracterizan éste thriller de horror psicológico sobre un asesino de niñas, obra del cineasta Ladislao Vajda y que en ocasiones nos remite a “M, el vampiro de Düsseldorf” de su mentor Fritz Lang.

"Una niña aparece asesinada en el bosque de un pequeño pueblo suizo; la investigación comienza muy pronto, pero las sospechas recaen en el viejo vendedor ambulante que encontró el cadáver; solamente el comisario Matei duda de su culpabilidad, pero se acaba de retirar y deja el caso en manos de un compañero. Mientras, el anciano, no resistiendo la situación, se suicida en su celda. Ya en el aeropuerto el comisario repara en algunos detalles contados por los niños de la escuela y decide investigar por su cuenta..."

Coproducida por cuatro países: España, Alemania, Francia y Suiza, “El cebo” resulta una magnífica muestra del género y del cine europeo, convirtiéndose en todo un clásico cinematográfico; donde se narra con una maestría fuera de lo común, una tórrida historia capaz de seguir poniendo los pelos de punta a más de uno.

Esencialmente buenas: Zombie

Sumados a la celebración que tuvo lugar el pasado día 3 de febrero de 2007 con el "1er Día del Orgullo Zombie en Madrid", y que toma como referencia las películas del director George A. Romero; queremos realizar nuestro pequeño homenaje analizando a nuestro juicio, la que ha sido la mejor y la peor película de zombis del panorama cinematográfico, ambas cara y cruz de un mismo tipo de films.
Comenzamos con la cara de la moneda analizando la que creemos la mejor película de zombis realizada hasta la fecha: “Zombie” de 1978 o “Dawn of the dead”.
“Los muertos se cuentan por millares, muchas ciudades han quedado semidesiertas y los supervivientes se ven obligados a refugiarse en bases militares. Dos miembros del SWAT y una pareja escapan en helicóptero de ese infierno intentando salvar la vida. Durante el viaje paran a repostar en un centro comercial donde encuentran todo lo necesario para vivir cómodamente, comida, bebida y armas, bloqueando las entradas y eliminando a los muertos que deambulan por el interior. Pero ésta situación no durará mucho tiempo...”
Nos encontramos ante una película de culto y una de las obras maestras del cine gore; la segunda de zombis del padre de los zombis: George A. Romero, que tras su elogiada “La noche de los muertos vivientes” o “Night of the living dead”, vuelve con más acción trepidante y con unos efectos especiales sangrientos, sobrecogedores y a todo color, a cuenta del “mago de los fx” Tom Savini. El resultado es un divertido e impagable espectáculo visual, plagado de escenas impactantes y rebosantes de fuerza, que nos mantiene en vilo durante más de dos horas de metraje; aunque posiblemente sin llegar a superar la primeriza tensión de “La noche de los muertos vivientes”. La película contiene elementos de crítica a la sociedad de consumo y al estilo de vida americano. Las actuaciones son geniales, y las situaciones de vértigo. Como curiosidad os diremos que Romero y su esposa interpretan un “cameo” al principio del film, y que el director Darío Argento puso parte de la financiación y a su grupo favorito Goblin en la banda sonora. Gracias al éxito de crítica y público y a los numerosos galardones que cosechó “Zombie”, empezaron a aparecer como hongos todo un aluvión de imitaciones y secuelas provenientes de Italia, Francia, Alemania y España, que queriendo subirse al carro, presentaron películas muchas de ellas absolutamente indignas. Y es que la “estética zombi” como la concebimos hoy día, se la debemos a las películas del señor Romero.
En definitiva diremos que “Zombie” es eso, la película de zombis definitiva.

Procura que no te cojan, o lo lamentarás...

Esencialmente buenas: La parada de los monstruos

"Freaks" , es el título original de ésta excelente película de horror de Tod Browning. Realizada en 1932, “La parada de los monstruos” ha sido capaz de conservar la frescura, la capacidad de fascinar y la vigencia a pesar de los años que han pasado desde su estreno. Algunas de sus escenas poseen una fuerza y belleza visual impresionantes, que como hemos comentado no han perdido ni un ápice de su esplendor.
" En un circo lleno de tullidos, amputados y otros seres deformes, Hans, uno de los enanos, hereda una fortuna. A partir de ese momento Cleopatra, una bella trapecista, intentará seducirle por todos los medios con tal de hacerse con su dinero. Para ello trazará un plan junto a Hércules, el forzudo del circo, con el fin de casarse con el enano y matarlo después para heredar."
Si analizamos el film, nos encontramos con que se trata de un cuento de estructura clásica, pero con variaciones suficientes para convertirlo en una historia absolutamente sorprendente y terrorífica. Browning nos habla por un lado de la humillación de la belleza a la fealdad y por otro de la humillación de la fealdad a la belleza, tomando la venganza de los “freaks” en éste caso como un acto de hermandad y protección entre ellos, “cuando se ofende a uno, se ofende a todos...”
Lo excepcional del relato no son los "freaks", sino la "normalidad" de la belleza Cleopatra (la trapecista) y la fuerza de Hércules, pues ellos parecen los anormales dentro de este elenco de "freaks", cual de ellos más increíble, auque retratados de una manera que llegan a resultar grotescos. Tenemos las intervenciones de Prince Randian, el tronco humano, capaz de liar un cigarrillo y fumárselo sólo con su boca... o a Johnny Eck, el medio-hombre que anda y corre con sus brazos a modo de piernas... o esas muchachas disminuidas psíquicas de diminutas cabezas cónicas y sonrisa perversa. Casi todas las malformaciones que salen son auténticas.
Como curiosidad señalaremos que ésta película fue producida por la "familiar" Metro Goldwyng Mayer (MGM) y que una vez estrenado el film, fue la propia MGM la que renegó de ella por ser demasiado bizarra, mandando eliminar su logotipo en todos los carteles que anunciaban la película para salvaguardar su reconocida imagen.
Y lo que son las cosas, el tiempo la ha convertido en una maravillosa película de culto. Si todavía no la habéis visto, a buen seguro no os dejará impasibles; éste, un film que provoca sentimientos contradictorios en el que los normales son los “monstruos”, y los “freaks” son los normales...

¡Señoras y caballeros!... ¡Pasen, pasen y vean al increíble "tronco humano" y al formidable "medio-hombre"!...

Esencialmente buenas: Delicatessen

Hoy estrenamos sección nueva, la cara positiva de “Esencialmente malas”, es decir, “Esencialmente buenas”, como sois muy listos, creemos que con el título está todo dicho. Y para abrir sección empezamos con el film de los franceses Jean-Pierre Jeunet y Marc Caro, “Delicatessen” de 1991. En un viejo edificio en mitad de la nada, habitan una serie de inquilinos de costumbres extrañas a los que sólo les preocupa una cosa, alimentarse. El propietario es un extraño carnicero que tiene su carnicería en los bajos del bloque y es él, el que abastece a la comunidad. Pero ésta comienza a alterarse por la llegada de un nuevo inquilino, un payaso que trabajó en el circo y que toca la sierra musical.
Nos encontramos ante una deliciosa película en la que el espectador queda de inmediato hipnotizado, (como nos pasó a nosotros) ante tanta magia, originalidad y derroche de imaginación junta.
Se trata de una comedia negra con enormes dosis de ficción en la que no sólo os hará reír, sino también quedareis atrapados en una sencilla historia impregnada rarezas simplemente geniales. Algunas de sus escenas han pasado directamente a la historia del cine, como la coreografía que se marca el protagonista, el actor Dominique Pinon con otra de las inquilinas, sentado en la cama buscando el muelle del somier que chirría. O cuando el carnicero está haciendo el amor mientras algunos de los inquilinos de la comunidad siguen el ritmo “increscendo” con una tarea determinada, concluyendo el final de la escena con un orgasmo. Un spot publicitario copió ésta secuencia. O la genial escena de los protagonistas en el baño inundado hasta los topes de agua. O la escena final, el onírico número musical de la terraza del edificio.
Artísticamente hablando, la película es toda una lección de cómo hacer cine y un referente a seguir. La fotografía, con esos tonos desteñidos y amarillentos consigue una estética decadente muy lograda. La banda sonora de la película es estupenda. Los decorados son sencillos pero soberbios. El “atrezzo” y vestuario antiguo como de los años 40 es maravilloso; que contrastando con lo futurista de otros elementos hacen que la historia sea en verdad atemporal. Con todo, el conjunto es algo extraño pero evocador, rezumando originalidad por los cuatro costados. La dirección de los actores es espléndida y se refleja en las magistrales interpretaciones. Todos los personajes son peculiares y atípicos, nada de tipos típicos o “guaperas” insulsos a la americana. Y bueno, el uso de la cámara, el montaje y el ritmo nos parecen de crear escuela.
En fin, lo dicho, ésta película es sin lugar a dudas una “exquisitez”, como dice el título del film. Si todavía no la has visto y quieres ver cine, buen cine, no te la pierdas o te arrepentirás...

No es un "ajuste de cuentas", es Pinon ensayando uno de sus numeritos.

Y aquí podéis ver los créditos de la película para que os animéis...